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在台灣當代藝術的版圖中，簡翊晉以其獨特的版畫創作，逐漸成為一位備受矚目的新銳藝術家。他的作品以風景與靜物為主題，融合細膩的技藝與深刻的觀察，將日常生活中看似平凡無奇的元素轉化為充滿詩意的藝術語言。從魚類圖鑑到礦石目錄，再到台灣傳統廟宇的浮雕風景，簡翊晉的創作不僅展現了他對細節的執著，更反映了他對自然、記憶與在地文化的思索。

從平凡日常到藝術修行

簡翊晉畢業於國立臺北藝術大學美術學系，並在攻讀碩士期間奠定了版畫作為主要創作媒介。對簡翊晉而言，版畫不僅是一種技術，更是一種近乎修行的過程。他曾坦言，創作對他來說「實做遠比思考更為重要」，這種直覺式的圖像挑選與持續勞動的工作方式，讓他在繁複的刻畫中找到內心的平靜與秩序。

退伍後，簡翊晉曾短暫進入職場，從事百貨零售業的陳列與平面設計。然而，這段經歷卻讓他開始反思大學時期所鑽研的版畫技術的意義。他在2020年底重拾版畫創作，從刻畫北海岸常見的魚類「後殼仔」開始，逐步找回對細膩筆觸的掌控，並以「生活風景」為題，重新感知日常。這一轉折不僅標誌著他藝術生涯的新起點，也成為他後來多個系列作品的靈感源泉。

「無聊的風景畫」：尋常中的哲思

簡翊晉最具代表性的系列之一，便是《無聊的風景畫》。這個系列始於2020年，並在2022年於台北F Studio舉辦了同名個展。作品名稱中的「無聊」並非貶義，而是藝術家對日常風景的重新審視與解構。他認為，太過尋常的風景往往因其熟悉而令人無感，因此他試圖將這些片段從原本的脈絡中抽離，賦予它們新的生命。

在《無聊的風景畫》中，簡翊晉將取材自書籍、網路及旅途中的零碎風景，融入一個獨立的敘事空間。例如，他曾將昭和時代宮島明信片的風景、廟宇浮雕與其他雕塑物件交錯呈現，並將這些元素置於一個茶道櫃中，創造出既熟悉又陌生的視覺經驗。作品如《火鳥戲牡丹》（2021）、《老人與鹿》（2021）及《Pirarucu紅色的大魚》（2022）等，均以油墨和版畫紙為媒材，尺寸雖小，卻蘊含著豐富的細節與層次。他的線條細膩而流暢，材質紋理的刻畫令人驚嘆，隱約讓人聯想到古典歐洲版畫的技法，卻又帶有東方文人畫的透視感與空間感。

題材的多樣性與在地性的探索

簡翊晉的創作題材廣泛，從自然界的魚類、山石到人造的雕塑與風景，無不展現他對周遭世界的敏銳觀察。他的早期系列如《魚類圖鑑》與《礦石目錄》，以單色素描的手法，呈現出令人驚嘆的細節與畫面安排，彷彿在編織一本視覺的自然誌。近年來，他開始醉心於台灣傳統廟宇壁畫與浮雕的描繪，這些作品不僅反映了他對在地文化的關注，也展現了他試圖突破學院框架、尋找藝術逃逸路線的企圖。

例如，在2023年的雙人展《華堂Huà Tông-神祇與花園風景》中，他與藝術家蔡浚勝共同探索台灣的宗教與自然景觀，將廟宇中的圖案與花園風景並置，呈現出一種獨特的空間對話。這些作品與西方繪畫傳統大相逕庭，卻又在細節中流露出工筆畫的精緻與東方美學的內斂。

版畫技術與藝術哲學

簡翊晉擅長凹版畫技法，這種需要耐心與精準的創作方式，與他的藝術哲學不謀而合。他曾在自述中提到，素描與版畫讓他得以「耽溺在一個連續而耐心的工作狀態」，而這種近乎無目的的創作勞動，反而幫助他累積了大量作品，並從中發現題材的共通性。他的創作過程如同冥想，從直覺出發，再回頭反思，讓作品自然顯露出內在的秩序與意義。

他的作品尺寸通常不大，多在20×20公分左右，但細節之繁複卻令人歎為觀止。這種對小尺幅的偏好，或許也反映了他對日常微小事物的珍視——那些不起眼的石頭、魚類或風景，在他的刻刀下成為了值得凝視的藝術對象。

台灣版畫藝術中的獨特聲音

在台灣當代版畫藝術的脈絡中，簡翊晉無疑是一位具有潛力的新世代創作者。相較於傳統版畫強調裝飾性或敘事性，他的作品更注重內省與哲學性的表達。他不僅延續了版畫作為一門手工藝術的精髓，還將其與當代視覺語言結合，創造出既古典又現代的獨特風格。

從《無聊的風景畫》到《華堂Huà Tông》，簡翊晉的藝術旅程顯示了他對在地性與個人經驗的持續探索。他的作品不僅是對自然的再現，更是對記憶、時間與空間的沉思。在台灣這片土地上，他用刻刀勾勒出一幅幅平凡卻深刻的風景畫，提醒我們在熟悉的日常中，依然隱藏著無盡的詩意與可能。

簡翊晉的版畫藝術，如同他所描繪的風景，既尋常又不凡。他的創作不僅是對技術的磨練，更是一場心靈的旅程。隨著時間的推移，這位年輕藝術家無疑將在台灣乃至國際藝術舞台上，留下更深遠的印記。對他而言，版畫不僅是藝術的媒介，更是重新感知世界的方式——而這，正是他作品如此動人的原因。